Woody torna a casa. Pessimista come sempre

Ffwebmagazine

23 ottobre 2009

Woody Allen torna a New York (dopo le parentesi europee di Londra e Barcellona) e colpisce ancora. Basta che funzioni, l'ultima sua fatica cinematografica, è un concentrato di tutte le geniali nevrosi e i tic al limite del fastidioso che il cineasta americano ci ha regalato negli ultimi quarant'anni. E pensare che sullo schermo Allen non compare proprio. C'è un alter ego, un personaggio che non è altro che la sua riproposizione. Efficace, per giunta, nonostante la difficoltà oggettiva di riprodurre, senza scimmiottare, uno dei caratteri più originali del cinema contemporaneo.

La New York che è al centro della storia è quella più vitale e radical chic, quella del Village, degli intellettuali liberal della Grande Mela. E ogni spunto è buono per prendere di mira tutte le ipocrisie dell'american way of life, gli steccati asfittici che reprimono le differenze, le diversità, le voci fuori dal coro. La famigliola bigotta e timorata di Dio che dal Mississippi sbarca a New York e sconvolge la vita del protagonista Boris (un ottimo Larry David), è il catalizzatore di tutte le traversie, i cambiamenti radicali, la perdita dell'innocenza e l'educazione sentimentale (forse sarebbe meglio dire sessuale) di un mondo tradizionale che in fondo innocente non è, che non ha “visione globale”, che è esponente di punta di un paese che all'esterno ha tutt'altra immagine, che è esportatore di cultura (alta o bassa, dipende dai punti di vista) e si fa paladino di diritti e libertà. Ed ecco la madre irreprensibile coinvolta in un bollente ménage à trois, o il padre membro della National Rifle Association che si scopre gay.

Woody Allen mette il proverbiale dito nella piaga, sottolineando le ristrettezze mentali non solo dell'America, ma dell'intera cultura occidentale. Le battute da riportare sarebbero troppe e tutte gustosissime. È esilarante, ad esempio, il dubbio che a un certo punto sorge al protagonista riflettendo sui perché della xenofobia degli americani: «Ce l'avevano con i neri per il pene grande. Ma perché ce l'hanno anche con gli ebrei che hanno notoriamente un pene minuscolo?». E poi un fiume in piena contro ogni forma di fondamentalismo religioso, spesso maschera di ipocrite pulsioni non espresse.

È un Allen in forma, forse addirittura più pessimista del solito. Il regista-clarinettista ci ha ormai abituati a visioni catastrofiche della vita, ad attacchi di panico continui e a sconfortanti momenti di ipocondria. Stavolta supera se stesso («Mi sono svegliato pensando di avere l'Aids. Ma ero soltanto al buio!» o ancora: «Ho scambiato una puntura di zanzara per un melanoma») e il risultato è degno di nota. L'happy ending, seppur dopo travagliate circostanze, forse serve proprio a smorzare i toni apocalittici, la sfiducia nei confronti dell'essere umano che ha contraddistinto l'Allen degli esordi. E la sceneggiatura di Basta che funzioni, infatti, è datata anni Settanta, quando Woody dipingeva con schizoide sarcasmo una New York perennemente sull'orlo di una crisi di nervi.

A parte la qualità artistica del film, quello che maggiormente colpisce è la descrizione di un'America per niente migliore rispetto al passato, nemmeno adesso che c'è Obama, la presunta panacea di tutti i mali: «Adesso abbiamo un presidente di colore ma un secolo dopo la fine della schiavitù in neri non potevano nemmeno giocare a baseball da professionisti». E allora viene da chiedersi se sia Allen ad essere troppo pessimista o se l'America, in fondo, è sempre uguale a se stessa. E non è detto che sia un male. Perché, seppur con tutte le sue schizofreniche contraddizioni, quel mondo complesso e plurare al di là dell'Atlantico è comunque l'elemento stabilizzatore della società  in cui viviamo. Forse senza il consumismo a stelle e strisce, la beat generation, gli hamburger unti e maleodoranti, Topolino o Andy Warhol, noi non saremmo quello che siamo. E nonostante le rogne che dobbiamo affrontare, persino noi che ci consideriamo “sviluppati”, siamo sicuri che ci sia andata poi così male?

Mesina sull'Isola? Nessuna meraviglia, purtroppo

Ffwebmagazine

21 ottobre 2009

Forse la Sardegna degli pseudo vip del Billionaire era stata saccheggiata fino all'ultima goccia di notorietà, e allora non restava che attingere anche al resto dell'isola, a cominciare dall'impervia e banditesca Barbagia. Potrebbe essere una spiegazione all'incomprensibile scelta di Graziano Mesina come prossimo “naufrago” sull'Isola dei Famosi. Altrimenti non si riesce a motivare, volendo essere razionali, una idiozia del genere.

Ha ragione, è persino superfluo dirlo, chi dice che Graziano Mesina, la primula rossa del Supramonte, ha pagato il suo debito con la giustizia ed è un cittadino come tutti gli altri. Primo fra tutti, il presidente emerito della Repubblica Francesco Cossiga, sardo come Mesina e che si è appellato al diritto di andare in tv così come “le sgallettate”. Due torti non fanno una ragione. E comunque le “sgallettate”, quantomeno, non hanno trascorso quarant'anni in gattabuia per reati terribili. Le difese nei confronti di Grazianeddu, dunque, non dimostrano affatto che “arruolare” un ex bandito, condannato per tentato omicidio e sequestro di persona, autore di numerose e rocambolesche evasioni, non sia una colossale fesseria.

Cosa c'entra Mesina con l'Isola? Cosa c'entra con un reality show, pur se non certo di altissimo livello culturale? Con che coraggio la televisione pubblica ingaggia un bandito con i soldi dei cittadini? In una televisione normale di un paese normale nulla, è lapalissiano. Ma le stesse domande, poste in Italia e riguardanti la televisione del nostro paese, potrebbero ricevere risposte sconsolanti. Da qualche anno la nostra tv si è imbarbarita più del consueto e dell'accettabile, in nome della ricerca spasmodica di un'audience di bassissimo livello, che se ne infischia del pur abusato concetto del “ruolo pedagogico della televisione”. E i reality, che all'inizio di questo secolo avevano rappresentato una indubbia rivoluzione televisiva e sociologica (il primo Grande Fratello rimarrà per sempre uno spartiacque incontestabile), sono stati la prima linea dell'invasione barbarica del vuoto culturale televisivo.

È la stessa tv, per intenderci, che domenica scorsa ha offerto un penoso spettacolo a Domenica 5, durante la quale si è scatenata una volgarissima rissa verbale tra Alessandro Cecchi Paone e il cattolico “tradizionale” (un musulmano “tradizionale” è definito integralista) Maurizio Ruggero, provocata da un infuocato dibattito sull'omofobia. E la storia del trash televisivo è così ricca di aneddoti che non basterebbe questo articolo per ricordarli tutti.

Ciò premesso, dunque, quasi non stupisce l'assurdità di Mesina all'Isola. In fondo è la continuazione di un altro deleterio filone televisivo molto in voga in questo momento. È l'infotaiment, il connubio mortifero tra informazione e intrattenimento, gossip e cronaca nera insieme. Lo ha denunciato giusto due giorni fa Aldo Grasso sulle colonne del Corriere della Sera, prima che esplodesse la bomba Mesina.

Probabilmente l'affaire si sgonfierà, qualche dirigente Rai o Magnolia (la società che produce il reality) o Simona Ventura stessa (vestale dell'Italia stracafonal) diranno che no, loro il bandito sardo non l'hanno mai voluto. Se così sarà, ci rimarrà il dubbio che le prese di distanza siano state dettate solo dalle reazioni veementi e indignate, per una volta a buon diritto, di alcuni politici. Perché, in fondo, che l'Italia televisiva sia ormai senza vergogna è un dato di fatto tristemente acquisito. Totò Riina, Wanna Marchi e Renato Vallanzasca sono allertati: la prossima edizione dell'Isola dei Famosi si potrebbe svolgere all'Asinara...

Un teatro innovativo dove il futuro si fa spettacolo

 Ffwebmagazine

18 ottobre 2009 

Chiedete a un ventenne di accompagnarvi a teatro a vedere uno spettacolo di mimi, saltimbanchi, giocolieri e ballerini. Probabilmente vi riderà in faccia. Questo perché non sa che lo spettacolo in questione è I live you e mimi, saltimbanchi, giocolieri e ballerini sembrano usciti dal futuro, non dal passato.

È questa la prima sensazione che pervade lo spettatore: un flusso coloratissimo e vorticoso di futuro e futuribile, di sperimentazioni visive, di sapiente miscela tra talenti antichi e tecnologie ultramoderne. Quello che gli stessi autori hanno chiamato «uno show tecnologico vissuto attraverso esibizioni fortemente innovative» ha riscosso un grande successo al Teatro Olimpico di Roma. Michael Menes, i Coloro e i ballerini di Modulo Project hanno dato vita, guidati dalla giovane e onirica regia di Romano Marini Dettina a uno degli eventi teatrali più interessanti degli ultimi tempi. Troppo spesso ci si lamenta del fatto che il teatro italiano è troppo incartapecorito, che il nostro non è un paese per sperimentatori e innovatori. Ipotesi non del tutto peregrina, per intenderci, se è vero come è vero che sui palcoscenici di tutta Italia le piéces sono sempre le stesse, e al massimo arriva qualche trasposizione in italiano dell’ultimo musical à la page di Broadway o West End. I live you, invece, rompe gli schemi del teatro tradizionale, propone un progetto per il futuro, miscela con la pazienza e la perizia di un alchimista elementi apparentemente distanti anni luce.

È così che i giocolieri svizzeri Coloro giocano con la luce, con effetti visivi all’avanguardia, con quelli che potremmo definire avatar teatrali e interagiscono con loro. La grande tela bianca si riempie di spunti artistici e culturali (l’influenza di Magritte è evidente e regala un tocco di classe al tutto) e le luci irrompono sul corpo dei protagonisti per creare un tutt’uno magico tra reale e virtuale. Gli artisti si sdoppiano, interagiscono con i loro alter ego virtuali, si trasformano in un’opera d’arte in divenire, che prende corpo sotto gli occhi esterrefatti e increduli del pubblico in sala. È arte allo stato puro, avanguardia di un teatro che verrà, che non può non venire, che è figlio delle nuove tecnologie e di un nuovo modo di intendere il palcoscenico. Anche il mimo Michael Menes, lungi dallo scimmiottare i grandi maestri del genere come Marcel Marceau, riempie il palco di buffi spruzzi di colore, di mosse mai banali né noiose, di giochi divertenti che conquistano lo sguardo. Persino il corpo di ballo dei Modulo Project diventa altro dalla danza che siamo abituati a vedere. È un hip hop che si fa sperimentazione, che crea movimenti genuini e maledettamente giovanili. Sul palco sembra di veder muoversi un’intera generazione di teenager, con movimenti così riconoscibili che non sembrano frutto di coreografie studiate a tavolino.

E poi, come se il talento umano che per quasi due ore riempie la scena non bastasse, ecco arrivare la voce fuoricampo, quasi metallica, proveniente da un futuro che si fa presente. Spiega il concept dello spettacolo, parla di esperimento tra uomo, immagine e suono, lancia la provocazione di una nuova forma d’arte che non è più procrastinabile, nonostante le strenue resistenze dell’ancien regime del teatro e della cultura. Ne viene fuori qualcosa che possiamo definire “teatro iPhone”. L’opera teatrale somiglia sempre più a uno degli ultimi gioielli ultratecnologici della Apple, l’ultimo status symbol dell’Occidente. I talenti coloratissimi e interattivi degli artisti sono come le applicazioni diverse e piene di sorprese. La musica sembra venir fuori da un iPod. È teatro wifi, a banda larga, 2.0. È la prova tangibile che c’è spazio per l’innovazione, che Pirandello o Eduardo vanno bene, per carità, ma bisogna guardare avanti, bisogna essere avanguardia di un ineluttabile domani.

La leggerezza cromatica dello spettacolo non traggano in inganno: non è per nulla qualcosa di rassicurante o conservatore. È una rupture fragorosa che cancella con un solo colpo i retaggi di un’arte teatrale che con i giovani d’oggi non ha nulla a che fare. E la solita voce fuoricampo, alla fine dello spettacolo, lo dice chiaramente: l’esperimento è finito, è nato l’uomo nuovo, l’uomo del futuro, che «si fonde con l’immagine e il suono dando vita a un quarto elemento: la fantasia». Nonostante le grandissime differenze storiche, culturali e concettuali, il primo pensiero corre al Futurismo e alla sua funzione socioculturale di spartiacque. Certo, nel soporifero e omologato mondo di oggi le avanguardie fanno più fatica a emergere, ma la strada tracciata è quella giusta. I live you può rappresentare per il nostro paese una prima linea di rinnovamento. Sicuramente allo stadio embrionale e migliorabile, ma già piena di spunti positivi e sorprendenti. A partire dai talenti della più classica tradizione italiana si può modellare quello che verrà. Anche perché il treno del futuro passa a velocità forsennata e in Italia, forse, lo stiamo perdendo irreparabilmente.

Non solo "poveri ma allegri": il Brasile tra sviluppo e favelas

Ffwebmagazine

ottobre 2009

Con Russia, India e Cina compone il Bric, il gruppo a quattro delle potenze economiche emergenti; sta lottando per ottenere un seggio permanente nel Consiglio di sicurezza dell’Onu che verrà; ospiterà i Mondiali di calcio del 2014 e i Giochi olimpici del 2016: nessuno, fino a pochi anni fa, avrebbe pensato che stiamo parlando del Brasile. Il più vasto Stato dell’America meridionale non è più soltanto il paese della samba, del Carnevale, delle favelas, dei poveri ma allegri. È in corso un profondo cambiamento economico e sociale, con prospettive nel lungo periodo che fanno sperare un boom senza precedenti. In Sudamerica, a parte l’Argentina pre-crack, nessun paese era riuscito a sfruttare appieno le sue potenzialità, uscendo dalla proverbiale instabilità politica e istituzionale che ha fatto dell’altra metà d’America uno dei posti al mondo con la più alta concentrazione di colpi di Stato, guerriglie e dittature di vario colore.

Il Brasile sta riuscendo a invertire la rotta e il merito, ammettiamolo pure, è anche e soprattutto del presidente Lula. Quando l’ex sindacalista di sinistra venne eletto, due diverse curve da stadio fecero sentire la loro: da un lato i fan dell’ultrasinistra e dell’America latina rossa, che inneggiavano al presidente compagno, pronto a percorrere sentieri radicali e anticapitalisti; dall’altro quelli che temevano una dittatura socialista, un regime da guerriglia pronto a espropri e nazionalizzazioni selvagge. Niente di tutto questo, per fortuna. Luiz Inácio da Silva detto Lula ha dimostrato buonsenso e una buona dose di realismo politico. E i risultati si vedono, a distanza di poco meno di sette anni dall’insediamento del presidente.

Proprio in questi giorni cade il centottantasettesimo anniversario dell’indipendenza del Brasile dal Portogallo e la recentissima assegnazione delle Olimpiadi del 2016 a Rio de Janeiro è il regalo migliore per festeggiare la ricorrenza. La vittoria contro la Chicago di Obama, la supertecnologica Tokyo e la vivace e giovane Madrid è un innegabile segno dei tempi. C’è un mondo dalle mille potenzialità, nascosto fino a oggi tra le pieghe della storia, che ha voglia di riemergere, di far fruttare i propri talenti. Rio de Janeiro è da sempre meta di vacanze all’insegna del divertimento e della trasgressione. L’intero Brasile, in realtà, è stato usato da milioni di turisti occidentali come valvola di sfogo, come luogo adatto a scaricare tensioni, repressioni e tabù di una vita. E allora, in barba al rispetto per donne e, purtroppo, ragazzini, il turismo sessuale verdeoro è uno dei più floridi (insieme a quello thailandese). L’etichetta di popolo povero ma allegro ha fatto dei brasiliani i giullari del mondo, come se fossero lì solo per quello, per farci divertire senza limiti di decenza e di legge.

E invece bisognerebbe ricordare che il Brasile è un paese dalla storia ricca di fenomeni e personaggi meravigliosi, è il terreno di coltura nel quale sono fioriti movimenti culturali e musicali di altissimo livello, è la patria della saudade che, lungi dall’essere una banale e non meglio precisata “nostalgia”, è lo struggente sentimento di triste inquietudine di un popolo che ha sofferto e continua a soffrire per colpe non sue. È comprensibile, dunque, il senso di orgoglio che ha pervaso, dopo la scelta del Cio, la spiaggia di Copacabana, i vicoli colorati di Salvador de Bahia, i villaggi amazzonici. È il riscatto (almeno simbolico) di una nazione grande ventotto volte l’Italia che si è stufata di far da Cenerentola e di “sala giochi” per adulti.

Non bisogna dimenticare, tuttavia, che i problemi sociali ed economici del paese carioca sono ancora lì, urgenti e drammatici come sempre. Le favelas sono ancora colme all’inverosimile di gente che vive nel degrado e nell’illegalità; la prostituzione minorile (maschile e femminile) è diffusissima e trova un bacino d’utenza vergognoso nei turisti occidentali; le disuguaglianze sociali persistono; le forze di polizia hanno dimostrato più volte la loro troppo facile corruttibilità.  Però qualcosa è cambiato davvero negli ultimi anni.

E se oggi parliamo del Brasile come di una potenza economica in divenire che va tenuta in considerazione anche nei consessi internazionale, qualcosa vorrà pur dire. Il presidente Lula, nonostante abbia deluso gli oltranzisti di sinistra, ha dimostrato una capacità politica senza precedenti a quelle latitudini. Il ruolo di guida del subcontinente latinoamericano, per molto tempo appannaggio di Buenos Aires, è ormai saldamente nelle mani di Brasilia. L’allegro e straccione danzatore di samba si è cambiato d’abito. Continua a dimenarsi tra le vie di Rio ma con una consapevolezza nuova; la consapevolezza di chi sa che, come recitava lo slogan di Rio 2016) é a vez do Brasil (è il turno del Brasile).

Bye bye Billionaire?

Ffwebmagazine

22 settembre 2009

Tra domenica e lunedì, qualcosa è cambiato nell'immaginario cultural-popolare italiano. Due eventi distinti, molto diversi tra loro, di gravità diversa, eppure entrambi significativi e a modo loro rivoluzionari: la pessima figura in diretta di Simona Ventura, caduta nella trappola dei Muse, scambiatisi di ruolo senza che l'ex giudice di X-Factor (e quindi esperta di musica) se ne accorgesse, e la clamorosa esclusione a vita dalla Formula Uno di Flavio Briatore, colpevole di aver costretto Nelson Piquet Jr. ad andare a sbattere per favorire l'allora compagno di squadra Fernando Alonso.

A prima vista pare non esserci nulla a legare le due cose. E invece, a guardar bene, è il triste destino che colpisce due dei più illustri esponenti dell'Italia del Billionaire, quel paese irreale che negli ultimi anni ha dominato la scena mondana del nostro paese. Il guaio, infatti, è che alla dannosa e pluridecennale egemonia culturale della sinistra, il Duemila ha opposto l'orgogliosamente ignorante anticultura del privé, degli abiti appariscenti, del vuoto culturale farcito di benessere vero o presunto, della Costa Smeralda, delle veline e dei tronisti, dei Corona, delle Belen e delle serate milanesi all'Hollywood.

C'è un'Italia migliore, lontana da tutto questo, che negli ultimi tempi, ammettiamolo, ha fatto una tremenda fatica. Non è riuscita, per colpa sua o altrui, a rialzare la testa, a dimostrare che tra i salotti radical chic intrisi di snobismo di una certa sinistra e i salottini di vimini e cuscinoni bianchi di Porto Cervo c'è altro. C'è un paese che vuole riscoprire una propria identità, che si è stufato di dover accettare passivamente quella che gli attribuiscono ora gli intellettuali, ora i divi della televisione. 

Gli scivoloni di Ventura e Briatore, peraltro (e non a caso) amici di vecchia data, potrebbero creare una falla nel regno dello Stracafonal, nel Paese dei Balocchi che tanti danni rischia di fare sulla formazione culturale e sulle aspirazioni di intere generazioni. Bisogna rendersi conto che la normalizzazione del paese e la fine dell'estenuante transizione non passano solo per i palazzi della politica ma anche, e forse soprattutto, dall'immaginario culturale che offriamo alla società. Sperando che Massimo D'Azeglio non si rivolti nella tomba, potremmo dire che purtroppo l'Italia è (stra)fatta. Ora bisogna (ri)fare gli italiani.

11 settembre 2001: anche se Bush jr ha sbagliato...

Ffwebmagazine

11 settembre 2009

A volte, nel corso della storia, basta un solo errore per far dimenticare cose fondamentali, imprescindibili, senza le quali non si può capire da che punto analizzare un particolare evento. È il caso dell’11 settembre 2001, del giorno “che ha cambiato il mondo”. Ha cambiato tutti noi, non solo il mondo. E nonostante ogni anno puntualmente ricordiamo quella giornata terribile, abbiamo perso il senso reale di quell’immane tragedia.

L’errore di cui si parlava prima è senza dubbio ascrivibile a George W. Bush, iniziamo ad ammettere questo. L’unilateralismo senza se e senza ma che ha spinto le pur lodevoli intenzioni della vecchia amministrazione americana ha creato un clima tale di diffidenza e dissenso che oggi, ricordando il crollo delle Twin Towers e le 2.974 vittime, colleghiamo immancabilmente la vicenda a Bush, alle guerre, ad Abu Grahib e Guantanamo. E Osama Bin Laden? E i diciannove dirottatori che in quella mattinata newyorkese scioccarono l’opinione pubblica mondiale? Quelli li ricordiamo meno, perché al giorno d’oggi è più cool fare così. I salotti buoni dell’Occidente radical chic hanno rimosso l’11 settembre, sostituendolo con l’orrore per le bombe, per il vero o presunto fosforo bianco di Falluja, per le vittime civili in Afghanistan. Eppure quella sera eravamo tutti americani, pronti a ricoprirci di stelle e strisce per difendere la libertà e la democrazia. Lodi sperticate a Rudolph Giuliani, persino allo stesso Bush.

Poi qualcosa è cambiato, si è rotto, soprattutto quando Washington ha deciso di puntare i propri caccia sull’Iraq di Saddam Hussein. La freddezza europea (Francia e Germania in primis) ha tracciato il sentiero lungo il quale le solite schiere di antiamericani e pacifisti hanno scorazzato allegramente. Sia chiaro: l’unilateralismo bushiano è stato un errore strategico, diplomatico e politico. Le ottime intenzioni di chi voleva “esportare la libertà” (brutta espressione che non rende giustizia a un concetto sacrosanto) sono state malamente messe in pratica con un approccio troppo muscolare e arrogante.

Ciononostante, niente di tutto questo avrebbe dovuto oscurare il ricordo dell’11 settembre. Eppure è successo e oggi anche i più strenui difensori dell’America hanno quasi pudore a commemorare quella data con il dovuto slancio emotivo. E in più, adesso, c’è Obama con il suo nuovo approccio dialogante con il mondo musulmano (peraltro per nulla sbagliato), e sottolineare troppo quanto cattivi sono stati i fondamentalisti islamici quel giorno non è opportuno. Già, come se i sentimenti dell’America profonda, quella lontana da New York o dalla costa californiana, che ancora oggi sente dentro un misto di paura e rabbia, non contino niente, abbiano meno dignità solo perché espressione di una società ricca e democratica, ormai una colpa in una società che in tempo di crisi economica ha riesumato la pelosa retorica pauperistica e terzomondista. Ma né Bush con i suoi errori, né il nuovo corso obamiano, tantomeno l’indifferenza dell’Europa, potranno cancellare la realtà della storia.

Bisognerebbe rilanciare, se solo i mainstream media lo permettessero, lo spirito di quei giorni, il senso di unità del mondo libero e democratico (non indispensabilmente occidentale o cristiano, beninteso) nei confronti di chi voleva metterci paura, di chi voleva condizionare le nostre scelte e farci pensare che in fondo quelli che stavano sbagliando eravamo noi. Al contrario, non bisogna mai vergognarsi della propria libertà. E il fatto che a soli otto anni da quel giorno l’attenzione sia calata così tanto, dovrebbe farci riflettere. L’attacco terroristico più grave della storia non può essere cancellato dalla memoria collettiva per ragioni politiche. E noi italiani, che nonostante l’atavica diffidenza nei confronti degli Usa di alcune frange dell’opinione pubblica, in quell’occasione ci siamo dimostrati fedeli amici di Washington, dovremmo essere in prima fila in questa operazione di recupero di una memoria così dolorosa e lacerante. Ma forse, per un paese come il nostro che ancora litiga sull’opportunità o meno di festeggiare i 150 anni di unità, è chiedere un po’ troppo.

Quando basta l'amore per scalfire il pregiudizio

La banalità di un amore qualunque, l’ordinarietà di una vita di coppia. L’amore e basta, appunto, proprio come il titolo del documentario di Stefano Consiglio, prodotto da Angelo Barbagallo e Andrea Occhipinti per la Lucky Red, presentato in questi giorni alla Mostra del cinema di Venezia. Il fatto che le nove storie d’amore raccontate siano omosessuali è un dettaglio, non un tratto caratterizzante che rende diverse quelle esperienze rispetto al resto delle relazioni sentimentali. Lo scopo di Consiglio, in effetti, era proprio quello di presentare al pubblico delle vicende ordinarie, a dimostrazione che l’amore omosessuale non è qualcosa di altro, di distinto, di parallelo o di alieno. Qualcosa da cercare altrove e in un mondo distante dalla quotidianità della gente “normale”.

Il viaggio attraverso l’Europa, introdotto dall’interpretazione, da parte di Luca Zingaretti, di una poesia di Aldo Nove, parte da Catania e arriva a Barcellona, passando per Parigi, Berlino, Palermo, la bassa padana, Roma, Versailles. Un Grand Tour dei sentimenti che ci racconta di famiglie, relazioni lunghe trent’anni, figli, opinioni differenti su alcuni temi che riguardano le persone omosessuali. È un microcosmo che riproduce, in piccolo, l’eterogeneità di qualsiasi altro gruppo di persone. Perché nessun gruppo sociale è un monolite, omologato e uguale a sé stesso. E anche nei confronti della religione gli intervistati si pongono in maniera decisa e senza dubbi: «Dio non è contro di noi. Non può rifiutare nessuna delle sue creature». 

In giorni come questi, con l’allarme omofobia che ha fatto capolino tra le coscienze ancora stordite dal sole estivo, l’uscita nelle sale di un film come quello di Consiglio è una boccata d’aria pura. Non c’è Svastichella che tenga, insomma, quando si ha a che fare con l’amore. Nessun pregiudizio può scalfire il racconto pacato, addirittura quasi noioso, delle vicende quotidiane di queste nove coppie. Non stupisce, dunque, che qualche oltranzista delle rivendicazioni urlate abbia storto il naso, non cogliendo appieno la forza del messaggio del documentario. Si chiedeva più incisività, un approccio forse più politico (o addirittura ideologico). Ma cosa c’è di più incisivo della banale rappresentazione dell’amore? I movimenti Lgbt dovrebbero capire, forse, che la conquista da ottenere a tutti i costi è il riconoscimento, da parte della società, dell’ordinarietà dell’amore gay.

Per troppo tempo, parallelamente a un’omofobia gretta e dura a morire, correva in Italia la voglia di sentirsi diversi, da parte degli omosessuali, e di essere percepiti come tali. Forse come reazione all’intolleranza, forse no.  Fatto sta che questa “strategia” si è dimostrata inadatta al riconoscimento dei diritti da parte dello Stato e, prima ancora, dell’opinione pubblica. La rivoluzione sta nel rovesciare i luoghi comuni della frivolezza e della superficialità di un mondo troppo sfaccettato e ricco di sfumature per essere catalogato tutto insieme, senza distinzione alcuna. A livello politico, poi, questo approccio si sta facendo largo sempre di più. Anche a destra. Anzi, soprattutto a destra. L’approccio ideologico al problema che ha contraddistinto alcune battaglie della sinistra era stato controproducente. Il pragmatismo della destra nei confronti della questione dei diritti alle persone omosessuali può essere di gran lunga più utile alla causa. Non è un caso, ad esempio, che anche all’interno del movimento Lgbt serpeggi una frase sibillina, una via di mezzo tra una battuta e una speranza: «Vuoi vedere che alla fine i nostri diritti verranno riconosciuti da un governo di destra?». L’ipotesi, inimmaginabile fino a pochi anni fa, oggi non sembra così peregrina.

E allora ben vengano film come quello di Consiglio. Ben venga la rappresentazione “normale” e banale del rapporto di coppia, a prescindere dal genere delle persone coinvolte. A guidare le battaglie del movimento gay non dovrebbe essere l’oltranzismo e la voglia di provocare a tutti costi. È sufficiente l’amore. L’amore e basta.

Ffwebmagazine

5 settembre 2009

L'integrazione vera abita a Edgware Road

Ffwebmagazine 

3 settembre 2009

Non è una strada di un sobborgo grigio dell'East londinese, né una pericolosa viuzza di Brixton, la zona delle guerre tra gang che stanno insanguinando la gioventù inquieta del sottoproletariato figlio dell'immigrazione. Edgware Road è una delle strade più lunghe e importanti della parte occidentale di Central London, il cuore pulsante della città, il centro di una delle metropoli più vive e importanti dell'Occidente. A poche centinaia di metri c'è la zona chic di Marble Arch e Mayfair (Madonna e Tony Blair vivono lì, tanto per intenderci); o ancora la zona diplomatica di Marylebone, sede delle più importanti ambasciate. Eppure, lungo i marciapiedi di Edgware Road, si sente parlare quasi esclusivamente in arabo o al massimo, in qualche caso, in farsi. Sì, perché Edgware Road, nel cuore della Londra che conta, è conosciuta anche come Little Cairo o Little Beirut ed è il centro pulsante della presenza araba e musulmana nella capitale britannica.

Degrado e criminalità, dunque? Per nulla: da quelle parti gli schemi preconfezionati dell'immigrazione sinonimo di delinquenza non funzionano, non attaccano. Il quartiere è da decenni uno dei più vivaci e interessanti del compassato West della città. È davvero un'esperienza inusuale, per un italiano abituato al dibattito nostrano sull'immigrazione, leggere le insegne in arabo delle farmacie, usare una tastiera in arabo in un internet point, osservare placidi e barbuti uomini che fumano il narghilé fuori dagli shisha café giocando a dadi o a domino. Dal 2007, con l'introduzione anche in Inghilterra del divieto di fumare nei locali pubblici, questi posti ricchi di storia, che riportavano alle atmosfere del Medio Oriente che fu, si sono adeguati, non senza qualche vibrante protesta, e le famose “pipe ad acqua” dai mille profumi sono state trasferite all'esterno.

E non mancano gli inglesi doc tra la gente che vive lì. Figli orgogliosi di Albione che non si scandalizzano, né storcono il loro snobissimo naso. Capiscono che se il mondo sta diventando multietnico, Londra lo è sempre stata. La capitale di quello che fu un impero vastissimo non può dimostrarsi ottusa proprio adesso. Londra non è mai stata altezzosa come Parigi, marziale come Berlino o provinciale come Roma. Ha accolto i “sudditi” oltremare di Sua Maestà con diffidenza, a volte con paura, ma non ha mai chiuso le porte all'integrazione né ha negato una possibilità a nessuno.

Edgware Road, dunque, è la metafora di un modo di intendere l'integrazione multietnica che non ha ancora fatto breccia in altre parti del nostro continente. Ma anche lì le cose non sono sempre andate bene. La stazione della metropolitana di Edgware, ad esempio, è stata colpita dagli attentati del 7 luglio 2005. Immigrati musulmani di seconda generazione, con passaporto britannico, hanno messo a ferro e fuoco anche il simbolo dell'integrazione della loro gente. E la diffidenza ha serpeggiato anche lungo le rive del Tamigi, come in fondo era normale che fosse. Ma il contraccolpo del 7 luglio di quattro anni fa è durato poco. Oggi Edgware è ancora la Little Cairo di un secolo fa, la Little Beirut dell'epoca della guerra civile in Libano, la Little Teheran del periodo della rivoluzione khomeinista. È il simbolo di un'integrazione che è possibile e che non deve includere la rinuncia a tradizioni e culture millenarie da parte degli immigrati. Si può rispettare il paese che ospita anche senza dimenticare le proprie radici. Edgware Road dovrebbe fare scuola, anche nel nostro paese. Qualcuno organizzi un viaggio di istruzione a Londra, per piacere. E si parta da Pontida, ovviamente. 

Il Principe mezzosangue e l'inizio della fine

Ffwebmagazine

25 luglio 2009

Nove milioni di euro dopo cinque giorni di programmazione in Italia, quasi 160 milioni di dollari negli Stati Uniti. Il responso del box office, come era facilmente prevedibile, arride all’ultimo film della saga di Harry Potter, Harry Potter e il principe mezzosangue. Dopo le cinque precedenti pellicole che hanno quasi tutte sfiorato il miliardo di dollari di incasso totale, pare che l’ultima fatica del maghetto di Hogwarts possa finalmente raggiungere l’ambizioso obiettivo. Eppure, le reazioni non sono state molto benevole e, per una volta, hanno messo d’accordo critici e spettatori. Da Paolo Mereghetti, critico cinematografico del Corriere della Sera, giù fino all’ultimo fan di un qualsiasi forum sul web, è tutto un fiorire di commenti negativi. Eppure, per chi ha letto il libro di J.K. Rowling, questo capitolo cinematografico trasferisce sullo schermo in modo efficace il cambiamento radicale che colpisce i protagonisti. Sono lontane le atmosfere preadolescenziali del primo film, Harry Potter e la Pietra filosofale, e non potrebbe essere altrimenti. E sono state accantonate anche le sfumature dark-gothic delle ultime due pellicole.

Il Principe mezzosangue è l’inizio della fine, un capitolo di passaggio, in tutti i sensi, dalla lotta “quotidiana” tra Bene e Male allo scontro finale, alla resa dei conti, che vedremo nei due episodi di Harry Potter e i doni della morte. Il passaggio, nella pellicola diretta da David Yates (regista televisivo al quale si è affidato un compito molto gravoso), c’è tutto e si vede. Irrompono in maniera decisa, ad esempio, i problemi sentimentali di Harry, Ron ed Hermione. Dal primo, sempre più innamorato di Ginny Weasley ed eroe romantico dell’intera saga, non si può pretendere nulla di diverso da un amore puro e senza pruriginose deviazioni adolescenziali. Ron, invece, in quanto antieroe e amico “umano, troppo umano” di Potter, può permettersi una focosa avventura tutta baci e languidi sospiri con Lavanda Brown. E poi c’è Hermione, l’algida secchiona che scopre il suo amore per Ron e si scioglie in un pianto che rende il suo personaggio completo.

Ma se gli ormoni finalmente si svegliano tra gli austeri corridoi di Hogwarts, sceneggiatori e regista riescono anche a infilarci un po’ di droga, seppure in maniera “magica” e simbolica e sotto forma, appunto, di pozioni. Prima Ron viene avvelenato, per sbaglio, da un bicchiere di sidro offerto dal professor Lumacorno e le immagini ricordano allo spettatore una classica scena da overdose (bava alla bocca, occhi all’indietro, crisi cardiaca). Poi Harry prende una pozione “portafortuna” e l’effetto ricorda molto quello dell’Lsd o di un qualsiasi altro acido allucinogeno. In entrambi i casi, ça va sans dire, non si tratta affatto di una esaltazione dell’esperienza stupefacente ma si può parlare di una scelta azzeccata e, perché no, pedagogica. In fondo Harry & Co. hanno 17 anni, vivono in Inghilterra e devono rappresentare, seppur sotto forma di fiaba per ragazzi, anche le problematiche tipiche della loro generazione. Soprattutto di una generazione, quella inglese degli anni che stiamo vivendo, che fa dello sballo (non solo a base di droga ma anche, e soprattutto, di alcool) una regola di vita. Chi, anche solo da turista, ha avuto modo di respirare per un po’ l’aria londinese, si è potuto rendere conto di quanto sia importante per i giovani britannici il momento di evasione dalla realtà indotto dal consumo di sostanze che alterano lo stato di coscienza. E se persino in un film come questo si fa cenno al fenomeno, vuol dire che il problema esiste e va affrontato. L’espressione inebetita di Harry dopo aver preso la “pozione” potrebbe essere utilizzata dalle autorità inglesi per una efficace campagna di comunicazione. E chi ha passeggiato per Soho o Tottenham Court Road durante il weekend quell’espressione la conosce benissimo.

Il resto del film, si diceva, rappresenta la preparazione agli ultimi capitoli della saga. Chi ha letto il libro lo sa perfettamente e francamente non si poteva chiedere di più al povero Yates, che peraltro si trova a dover reggere il confronto con due mostri del cinema come Mike Newell e Alfonso Cuaron, che hanno diretto i precedenti film del maghetto. Ma se le reazioni negative dei critici a un film del genere potevano essere messe in conto, quello che sorprende maggiormente è la freddezza dei fan, anche quelli più sfegatati. Forse si era creata e consolidata un’immagine troppo scanzonata e fanciullesca del personaggio creato da J.K. Rowling, forse anche in questo film ci si aspettava il Mantello dell’invisibilità o qualche strana creatura allevata da Hagrid, o qualche altro esilarante incantesimo scagliato contro gli odiosi zii di Harry. No, non è più tempo di gigioneggiare. Il gioco si fa duro e Harry deve, persino obtorto collo, cominciare a “giocare” seriamente. C’è da salvare il mondo, ancora una volta. Ma in quest’occasione non ci sarà appello, né possibilità di cavarsela grazie all’aiuto di saggi e venerabili maestri. La perenne lotta tra Bene e Male, poi, nei libri e nei film sul maghetto assume una forma particolare.

Tutto è giocato sul filo, pochi sono i personaggi nettamente ascrivibili a una delle due categorie. Persino Albus Silente, integerrimo preside di Hogwarts e mentore di Potter, ha avuto in passato dei momenti di pericoloso contatto con il lato oscuro. Altro che magia, dunque. Tutto è umano come nella nostra vita di ogni giorno. Nessuno è un eroe o un mostro a prescindere. Sono le scelte del singolo, e non una banale predisposizione genetica o caratteriale, a spingere ciascuno di noi verso il Bene o il Male e persino queste etichette non possono considerabili eterne e immutabili. La forza dei libri della Rowling, in fondo, è proprio quella di aver parlato delle debolezze umane (soprattutto quelle che riguardano i giovani) attraverso lo strumento immaginario e immaginifico della magia.

Da Harry Potter e i doni della morte (diviso in due film la cui uscita è prevista per il 2010 e il 2011) ci aspettiamo ovviamente di più. L’affannosa e angosciante ricerca degli Horcrux (gli oggetti all’interno dei quali Voldemort ha nascosto la sua anima), la furiosa rottura tra Harry e Ron, l’epico scontro finale dentro il castello di Hogwarts, alcune morti toccanti e dolorose: tutti passaggi narrativi che per forza di cose dovranno trovare una efficace rappresentazione cinematografica. Se David Yates riuscirà nell’impresa, persino i feroci critici del Principe mezzosangue potrebbero apprezzarlo. Intanto, in attesa della fine, accontentiamoci di quest’ultimo capitolo della saga che si appresta a polverizzare ogni record al botteghino.

Ridere dei gay? E' molto peggio l'ipocrisia

Ffwebmagazine

18 luglio 2009

In Italia deve ancora arrivare (l’uscita nelle sale è prevista per ottobre) ma Bruno, l’ultimo film di Sacha Baron Cohen, ha fatto già discutere mezzo mondo. Primo ai botteghini americani (30,5 milioni di dollari nel primo weekend di programmazione), la pellicola del creatore di Borat ha innescato, forse ad arte, una polemica dal sapore antico, che fa a pugni con l’impostazione politically correct di questo inizio di secolo: si può ridere dei gay?

Sembrerebbe una domanda retorica, dalla risposta affermativa pressoché scontata. Se non fosse, però, che si va a toccare uno dei nervi scoperti della società, un tema che paradossalmente può essere ancora considerato un tabù. Bruno, il protagonista del film, è un giornalista di moda gay e fashion victim, che ripropone in chiave esasperata lo stereotipo dell’omosessuale effeminato, appariscente, disimpegnato e superficiale. Né più né meno, insomma, dell’immagine che i media usano ancora oggi quando vogliono mostrare al loro pubblico l’universo gay. E allora le polemiche da cosa nascono? Cosa si contesta a Baron Cohen? Secondo alcuni gruppi di attivisti omosessuali americani e inglesi, il rischio sarebbe quello di tornare indietro e di perdere tutto ciò che di positivo aveva fatto il “movimento” per cancellare l’immagine macchiettistica dei gay, facendo irrigidire il pubblico eterosessuale e cancellando gli effetti dello sdoganamento graduale dell’universo Glbt.

Ma se, come dicevamo prima, l’immagine mediatica che i gay danno di se stessi è molto simile a Bruno, il problema qual è? Forse è semplicemente il fatto che Sacha Baron Choen è eterosessuale e quindi non è “legittimato” a sfottere i gay. In fondo, fino a pochi anni fa, il giusto senso di colpa della società aveva provocato qualcosa di simile nei confronti degli ebrei. Solo gli stessi ebrei potevano permettersi satira, battute e comicità sul loro mondo. Gli altri dovevano trattare il tema con la massima cautela, per non rischiare di essere tacciati di antisemitismo. Successe una cosa simile persino al Benigni de La vita è bella, criticato all’epoca da più parti per aver ridicolizzato e banalizzato la Shoah.

Si tratta, oggi come allora, di un eccesso di zelo buonista. Non perché non si debba rispettare la battaglia che da quarant’anni (dalla rivolta dello Stonewall in poi) i gay stanno combattendo per l’affermazione dei loro diritti più essenziali. Però è ridicola l’attenzione quasi maniacale nei confronti di minoranze che non dovrebbero essere alla ricerca sfrenata del bollino di tutela, nemmeno fossero gli ultimi panda delle foreste cinesi. L’universo gay, che è ovviamente molto più complesso e sfaccettato di come si autorappresenta, non deve aver paura di un film come quello di Sacha Baron Cohen. Paradossalmente, al contrario, il successo che in pochi giorni la pellicola ha riscosso dimostra che l’omosessualità non è più un argomento da evitare.

Quarant’anni fa era impensabile un’operazione cinematografico-commerciale come questa. E la satira un po’ greve e dozzinale del comico inglese non scalfisce le conquiste di una lotta lunga e dolorosa. Dovrebbero preoccuparsi, piuttosto, i residui sussulti omofobici che percorrono la nostra società. Come i partecipanti a una manifestazione a favore della Proposition 8 (la proposta che ha proibito i matrimoni gay in California) che stavano quasi per linciare Baron Cohen davanti alle telecamere.

Si può ridere dei gay, insomma? Sì, anzi si deve. Perché la sacrosanta voglia di normalità che pervade gli omosessuali di tutto il mondo (la stragrande maggioranza dei quali non si sente affatto rappresentata dalle associazioni di “categoria”) passa anche attraverso l’autoironia. Anche perché ciò non equivale a rappresentare tutti i gay come Bruno. Ed è altrettanto lapalissiano che deve continuare l’impegno per i diritti civili in tutti i paesi che discriminano, in maniera più o meno grave, le persone omosessuali. E nel nostro paese servirebbero dieci, cento, mille Bruno per schiaffeggiare finalmente il torpore ipocrita che su questo tema attanaglia la società e le forze politiche. Tutte, nessuna esclusa.